I'M HERE

All you need is… AMOR Y CREATIVIDAD

Todos los elementos que lo conforman lo hacen encantador: una duración de 30min, dirección por uno de los grandes artistas audiovisuales, formato innovador, guión de temática universal, y un muy buen soundtrack.

Dirigido por Spike Jonze, este cortometraje salido del horno apenas este año, viene a conquistarnos con un concepto de “cine para todos” dado su medio de difusión: internet. La trama es una de amor, de amor entre dos robots que viven entre humanos en Los Ángeles y que como la mayoría de los homínidos en pareja justan de estar juntos, pasear, ir a conciertos y entregarse en cada pieza y circuito.

Es sólo media hora, pero el desborde de amor y creatividad hacen de este trabajo –como la mayoría de los de Jonze- una joyita única que no se pueden perder. Eso sí, preparen los pañuelos para el llanto magdaleno.

Les dejo el link para que disfruten la experiencia:

http://www.imheremovie.com/

Agradecimientos a Sus(ana) por esta bella recomendación.

Dot the i (bueno, Obsesión)

Cada quien juega con quien quiere y como quiere.

“Alguna vez oí decir que la vida era una película…” Para algunas personas lo es en cierta forma, pero para otras lo es en su totalidad, y cuando deciden filmarla cosas interesantes pasan. Dot the i es un largometraje que parte de esta situación, pero llevada al extremo.

Carmen es una chica española que vive en Londres con su novio Barnaby, un junior hijo único completamente enamorado de su novia, tanto que le pide matrimonio. La noche de despedida de soltera Carmen hace algo que no estaba escrito en el guión: besa a un chico de la manera en la que no se debe besar a un extraño. A partir de este incidente las vidas de Carmen, Barnaby y Kit (el desconocido besado) se cruzan y se separan en una espiral de situaciones a veces vistas y vividas en primera persona, otras vistas y vividas en tercera; haciendo una especie de documental de la obsesión de uno(s) de ellos por la(s) vida(s) del (los) otro(s).

Al principio es un tanto soso y “predecible”, pero al pasar los minutos este trabajo envuelve y juega con el espectador de tal manera que no sólo entretiene, sino atrapa y maravilla. Un creativo y dinámico juego de cámaras y trabajo de edición + un guión dentro de un guión + un muy buen soundtrack = un altamente recomendable primer trabajo del director Matthew Parkhill elaborado en 2003.

Véanla, escúchenla y díganme si no se los dije.

Arctic Monkeys

Crónica de una (des)organización irresponsable.

Como la mayoría, la primera vez que escuché a los Arctic Monkeys fue a través de su My Space. A partir de ahí no paré de seguirles el rastro.

El pasado miércoles 21 se llevó a cabo su presentación en el D.F. y como se ha leído, escuchado y visto en muchos otros medios, la organización fue terrible, desembocando en un evento que no sólo se vivió mal, sino que puso en peligro tanto a la audiencia como al artista.

El concierto estaba planeado para ejecutarse en la explanada del Estadio Azteca, y comenzar a las 10 pm con la primera aparición de los teloneros Sleepy Sun, yo llegué con mis acompañantes relativamente temprano, sólo para sorprendernos con la enorme cantidad de gente, el caos vial y una interminable fila india que subía y subía rodeando al Coloso de Santa Úrsula para llegar a la entrada.

Una vez dentro, nos encontramos de nuevo con otra fila (aún más larga), la cual a falta de señalamientos o instrucciones ignoramos para continuar con nuestro camino y encontrar un buen lugar para disfrutar del evento. Desde el momento que nos instalamos hasta que empezó a tocar el grupo se fueron presentando incómodas situaciones que premeditaban una de dos opciones: o se cancelaba el concierto, o la presentación sería un desastre.

Lo ocurrido giró en torno a la segunda opción: tres largas y desesperantes horas de espera, sobrecupo de asistentes en la zona preferencial, terribles instalaciones, problemas con los granaderos, un sonido espantoso y un set-list de sólo 50 minutos.

La banda al igual que el público se notaba cansada y molesta, por lo que se ampararon en el dicho de que a mal paso darle prisa, y se limitaron a una presentación de menos de una hora que contuvo en su mayoría canciones del último disco, unos cuantos hits (ja!) y un cover de una gran canción de Nick Cave (Red Right Hand).

Después de esta experiencia me quedo con enojo, un resfriado -que actualmente me està matando- y una gran decepción por el irresponsable manejo de los medios en la (des)organización de este concierto llevada a cabo por Ache Producciones, quienes hasta parece que quieren darle más elementos a la otra gran empresa para que siga monopolizando la gestión de eventos musicales.

Mientras, rescatando lo bueno de todo esto sigo saboreando las canciones respiradas ese día, y recordando a esa banda cuyos integrantes son grandes músicos, y cuya música ha sido una parte muy significativa del soundtrack de mi vida.

Black Hawk Down

¡ESTÁN TODOS!

En 2001 el director Ridley Scott reanimó un cine bélico que ya se había estancado en la mera propaganda y el derroche de presupuesto en exagerados efectos especiales, y lo hizo a partir de un muy buen guión y el seguimiento de las enseñanzas aprendidas a partir de una Full Metal Jacket (Stanley Kubrick, 1987).

La primera cosa que encanta de esta película es su fotografía, creada por el experimentado Slawomir Idziak. Luego viene el guión que basado en hechos reales rescata lo ocurrido en Mogadiscio, cuando las unidades Deltas y de infantería de Estados Unidos fueron enviadas a Somalia con el propósito de atrapar a dos tenientes del líder Mohamed Farrah Aidid, misión que terminó en la caída de dos helicópteros UH-60 Black Kawk, provocando secuelas que empeoraron la situación para civiles, soldados y guerrilleros.

Después tenemos el crudo e inconfundible sonido que rescata lo propuesto hace 14 años* por Stanley Kubrick, recreando un sonido simple pero impactante, de balas y explosiones –no por nada le dieron el Oscar a mejor sonido a esta película-.

Por último se agradece la inclusión de tanto buen actor, lo que provoca que conforme pasen los minutos uno termine gritando con emoción ¡ESTÁN TODOS! refiriéndose con “TODOS” a Eric Bana, Ewan McGregor, Ewen Bremner, Gabriel Casseus, Ioan Gruffudd, Jason Isaacs, Josh Hartnett, Orlando Bloom, Tom Sizemore (que para variar la hace de soldado con actitud gangster) y William Fichtner entre otros.

Black Hawk Down, un gran trabajo cinematográfico que lo pone a uno en una encrucijada en la que de un lado se tiene la etiqueta de Bella Película (por los elementos explicados anteriormente), pero por el otro Película de Guerra, que como todas, refleja la crueldad, injusticia y triste continuidad de este tipo de conflictos que afectan a más de dos partes.

*14 años del estreno de Full Metal Jacket el estreno de Black Hawk Down.

Clash of the Titans

Lo que se anunciaba como remake terminó en una versión alternativa…

una muy buena versión alternativa.

Los mitos griegos regresan a la pantalla grande, y con el pretexto de realizar un remake del clásico Clash of the Titans (Desmond Davis, 1981), Louis Leterrier nos trae su último trabajo cinematográfico. Este enfrentamiento reloaded no se apega estrictamente a su antecesor, por lo que se quitaron algunas situaciones clásicas vistas en la primera versión; situación que se compensó con la inclusión de más criaturas y situaciones relacionadas con las aventuras de Perseo y su cruzada contra la voluntad de los dioses griegos.

Además de nuevos elementos, ésta versión desembolsa una buena dosis de efectos especiales y de maquillaje que junto con algunos homenajes a la primera Clash of the Titans -como el cameo del inolvidable e inoxidable Bubo- hacen de esta película un verdadero disfrute.

Por último, llama la atención el tratamiento que le dan a la ya conocida historia del semidiós al hacer de ésta una metáfora de la actual situación social internacional en la cual “one day someone will say enough!”.

NOTA:

Entrada dedicada a mis dos gurús de la mitología griega: mi hermano Alonso y la profesora Rosa Mendoza Valencia. Gracias por su tiempo y conocimientos.

Gran Torino

Es sólo una cuestión de actitud

Clint Eastwood leyenda per se, realizó en 2008 su 29º trabajo cinematográfico que como es costumbre, se ha convertido en una obra de culto.

Walt Kowalski (Mr. Eastwood), patriota, veterano de guerra y viudo, vive en un barrio que poco a poco ha ido cediendo a la populación migrante, así como a la descomposición social “americana” y a la delincuencia. Walt trata de soportar (de una manera bastante hostil) este cambiante entorno, pero un incidente relacionado con su Gran Torino 1972, lo conecta con sus vecinos Hmong y hace que poco a poco asimile su ambiente, llegando a compartir sus “americanos” valores con aquellos a quienes veía tan distantes y diferentes.

Gran Torino es un peliculón que cuenta con un guión inteligentemente elaborado que saca lo mejor del Señor Eastwood en cuanto a dirección y actuación. Además ofrece al espectador la oportunidad de disfrutar de una película con una fuerte crítica social y un humanismo tal, que logra una conexión muy especial espectador-protagónico.

Así del precipicio

...triste realidad del cine mexicano

Rodada en 2006 por Teresa Suárez, esta película intenta abordar el tema de las adicciones de una forma a la Trainspotting (Danny Boyle, 1996), sin lograr siquiera consolidar una línea de la trama.

Lo que parece ser el eje central: Lucía (Ana de la Reguera) es una chica que se encuentra en una relación sumamente destructiva que la hace caer en otro tipo de adicciones, como el sexo y la cocaína, haciendo que su vida se acerque más y más al fin del precipicio.

Otras historias acompañan a Lucía en su carrera a la perdición: su amiga Carmen (Gabriela Platas) artista plástica adicta a las drogas y al amor no correspondido, Hanna (Ingrid Martz) compañera de departamento recién divorciada que descubre su verdadera orientación sexual, y una amplia gama más de personajes como Piti (traficante de drogas), Gerardo (amigo gay y adicto a la cocaína), Manuela (transexual y también adicta)…

Así del precipicio en resumen, es un ambicioso trabajo que no logra desarrollar claramente ni el eje central ni los secundarios, dejando en el espectador una sensación de no saber realmente la dirección que tomó y tomará la cinta, ocasionando la aparición de un sentimiento de impaciencia y cierto hartazgo que llega a su clímax al escuchar el tema de la película interpretado por Alejandra Guzmán.

Si llegan a encontrar esta película en la TV no le cambien y véanla para que comentemos este caso; pero si planean rentarla, mejor piénsenlo dos veces.

The Hurt Locker

Una de las adicciones más peligrosas.

Después de dos años, seis premios Oscar y otras 46 nominaciones a diferentes premios, por fin pude ver en pantalla grande la ganadora del Oscar The Hurt Locker.

Filmada en 2008 por la directora Kathryn Bigelow, esta película aborda un tema cliché de una manera nada común. La historia es sobre el sargento William James (Jeremy Renner), experto en desarmar artefactos explosivos, quien se integra a una de las misiones en Iraq de 2004. Hasta aquí, este film es uno más sobre guerra, pero sorprendentemente a lo largo de los 131minutos que dura el film, la directora y su equipo de trabajo nos enseñan la importancia y utilidad de la técnica.

Los que saben de este complejo arte explican que el encanto de este film radica en su “arquitectura”: actuaciones estilo western y que se desplazan entre la figura del héroe y el antihéroe, grabaciones a la documental, y el uso de cuatro cámaras rodando simultáneamente que logran traspasar las emociones de adrenalina, angustia y suspenso al espectador.

En lo personal, The Hurt Locker encierra la genialidad del uso de la técnica de cámaras, edición de sonido, actuaciones y sobretodo la intención de exponer el multifacético tema de la guerra, con sus consecuencias físicas, psicológicas y sociales que envuelven y explotan a todos sus elementos.

Legion

Esperanza explosiva

Nuevamente gracias a http://alonsocineestrenos.blogspot.com/, hace unos meses llegó a LA SALA la noticia de un nuevo largometraje acerca del Apocalipsis, ángeles y humanos. Lo tentador de esta noticia fue que al ver el trailer, el Apocalipsis aparecía de la mano de amorosas viejitas y repartidores de helado, y los arcángeles venían fuertemente armados con bazucas y metralletas.

Filmada por Scott Stewart y hace poco estrenada en nuestro país, este trabajo nos presenta por un lado, un inminente Apocalipsis causado por el hartazgo de Dios ante los hombres y “sus tonterías”, y por el otro un arcángel Miguel (Paul Bettany) que aún conserva la fe en los hombres y que en completo desacuerdo con las órdenes de Dios, baja a la tierra a comprobar que aún hay esperanza.

El combate de las dos partes anteriormente mencionadas se desarrolla en los escasos 100 minutos que dura la película, en la zona desértica de California, donde según la profecía nacerá “el que guiará a la humanidad”… y al que quieren ver muerto ciertos seres. Así, es deber del arcángel Miguel proteger a este bebé, combatir a los ángeles enviados a matarlo y regresar la fe a los humanos antes de que Gabriel (Kevin Durand) llegue a ponerle un alto.

Una muy buena película que se quedó a dos pasitos de ser una gran propuesta, en donde la ficción, la acción, el drama y sobretodo el suspenso logran dar un dinamismo interesante al film. Tres de las cosas con las que se queda su amiga (y perdón por el spoiler) son el niño poseído, la golpiza entre los arcángeles y el sonido de las trompetas, a ver qué les parece.

¡Ah! y para quienes ya la vieron, ojalá puedan ayudar a solventar una duda: En la huída del restaurante con el bebé, ¿quién es y porqué hay una niña con una bolsa en la cabeza moviéndose de un lado para el otro con un palo en la mano?

True Blood

Pasión por la sangre y el rock & roll

Como las películas, las series de televisión son obras audiovisuales, pero con la particularidad de que su difusión es a través de emisiones por televisión seriadas que capítulo con capítulo llevan al espectador por una continuidad argumental definida.

Actualmente acostumbrados a este nuevo tipo de producción televisiva tenemos una múltiple gama de opciones seriales en la pantalla: unos por TV abierta, otros por TV por paga y unos más por TV de super paga como el caso del canal de televisión Home Box Office (HBO).

En 2008 HBO lanzó su (en ese entonces) nueva producción llamada True Blood, recomendación NO cinematográfica que ahora trae para ustedes LA SALA.

Creada por Alan Ball y basada en la serie de de libros de Charlaine Harris The Southern Vampire Mysteries también conocida como The Sookie Stackhouse Novels / Chronicles , esta serie narra los sucesos ocurridos en una ficticia sociedad actual en la que los vampiros “han salido del ataúd” gracias a la invención de sangre sintética, y se centra en la historia de amor de la humana y telepate Sookie (Anna Paquin) y el vampiro Bill (Stephen Moyer), eje de la trama en el que convergen múltiples historias y acontecimientos que retratan de una manera sumamente creativa y bien lograda los problemas más profundos y obscuros del humano en sí, y en su forma social.

Esto no es Twilight (Helen Catherine Hardwicke, 2008) o alguna de sus variantes, ni Underworld (Len Wiseman, 2003) o la melodramática Vampire Diaries (Marcos Siega, 2009). Ésta es una nueva forma de contar historias de vampiros que llama la atención por muchos factores como la fotografía, las actuaciones, el soundtrack, y sobretodo el guión, que logra vincular una historia como tantas de amor, con altas dosis de humor negro, crítica social y cuestionamientos éticos y morales a la raza humana* desarrollando estos eventos en uno de los lugares más intolerantes a lo diferente: el húmedo sur de los Estados Unidos.

Definitivamente una buena opción para esas tardes de ocio y/o descanso.

* Si bien el uso del término raza es erróneo, para efectos de esta reseña en la que ficticiamente conviven humanos y vampiros, es necesario utilizar esta locución.