la 52 Muestra Internacional de Cine
Un clásico del terror sci-fiesco elaborado por uno de los directores más vanguardistas y menos conocidos del cine non-commercial: David Cronemberg. 
2010: la última de la trilogía* de Luis Estrada, esta película viene a continuar con la serie de reclamos sociales que este director ha ido materializando en su obra cinematográfica.
La línea histórica que estructura tanto el trabajo original como la adaptación, parte de la investigación y descubrimiento no de quién realizó el atentado, sino de quién y por qué se planeó. Así, a través de tres historias diferentes pero intercaladas (parte de la vida política de Díaz, la vida social y profesional del escritor Federico Gamboa y el perpetrador Arnulfo Arroyo) se revisa el proceso de un acontecimiento histórico poco difundido.
El sábado pasado la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario se llenó con una audiencia plural en cuanto a edades y nacionalidades. Todos nos encontrábamos ansiosos de ver en vivo y a todo color a la compañía estadounidense The American Magic-Lantern Theater, la cual, ataviada de un estilo “de época” y circense, motivaron la emoción e imaginación de todos los ahí presentes a través de sus artesanales diapositivas, contagiosas melodías y un sentido del humor tan mágico como la lámpara misma.
Minutos después de acabado el set telonero, uno a uno los islandeses comenzaron a salir para afinar y preparar los últimos detalles de su presentación. Saludos, risitas juguetonas y de sorpresa, palabritas bellas y difíciles de entender fueron los primeros contactos entre el público y la banda.La felicidad a todo color
Es un comercial, y a pesar de que su objetivo es la venta de pantallas de LCD, el resultado de este trabajo artístico deriva en una experiencia audiovisual chispeante.
El tercero de la campaña comercial de Sony Bravia, Rabbits conjuntó a 40 animadores y 2.5 toneladas de plastilina que a través de la técnica de stop motion dieron vida a miles de conejitos que invaden la ciudad de Nueva York.
Enjoyººº
Linda frase ¿no? Muy optimista y llena de vida. Un tanto contrario a lo expuesto en este lúgubre cortometraje de 2001 magníficamente elaborado por Robert Morgan.
Son tres minutos con 33 segundos de suspenso y terror que combinan la animación y el live motion para contar el relato sobre el gato que quería ser humano. * Alusión totalmente conscientey a propósito de la connotación del texto de Sabina Berman.
Snatch Wars es una joyita en cuanto a la originalidad de la idea y trabajo de edición. El clip consiste en una especie de sinopsis visual del cuarto capítulo de la saga, en la que los diálogos de Darth Vader son sustituidos por las gangsteriles frases de uno de mis malvados favoritos: Brick Top.
Enfrentando las peores y más absurdas situaciones (como atrapar a un fugitivo ganso o lidiar con su compañero fanático del cine de acción) Nicholas descubre los horrores que este lugar esconde bajo su fachada de “pueblo perfecto”.
Michael Mann es un director talentoso que como todo humano sufre la tragedia y la esperanza de la mutabilidad*, y por esto es que su trabajo de 2006 titulado Miami Vice lo recomiendo… como una broma de muy mal gusto.
Watchmen es una serie de tiras gráficas escritas por Alan Moore y dibujadas por Dave Gibbons entre 1986 y 1987. Publicadas por DC Comics, esta novela gráfica de 12 números se desarrolla en tiempos de la Guerra Fría, y se centra en el peligro de una guerra nuclear y el asesinato de uno de los superhéroes; hechos que orillan a los personajes a librar una batalla tanto en su interior, como en el cambiante y contradictorio mundo en el que viven.
25th Hour (2002) es un trabajo fino, bien hecho, bello y crudo a la vez, que retrata en forma de analogía dos tiempos inexistentes en el que todos los humanos de manera colectiva o individual creemos y conjugamos nuestras vidas alguna vez: el hubiera y el a lo mejor. La analogía se presenta a través de dos elementos: la historia de Monty Brogan (Edward Norton) –narcotraficante newyorkino quien por codicioso está a 24 horas de ir a la cárcel-, y la cicatriz que dejó en la ciudad de Nueva York el derrumbe de las Torres Gemelas.All you need is… AMOR Y CREATIVIDAD
Todos los elementos que lo conforman lo hacen encantador: una duración de 30min, dirección por uno de los grandes artistas audiovisuales, formato innovador, guión de temática universal, y un muy buen soundtrack.
Dirigido por Spike Jonze, este cortometraje salido del horno apenas este año, viene a conquistarnos con un concepto de “cine para todos” dado su medio de difusión: internet. La trama es una de amor, de amor entre dos robots que viven entre humanos en Los Ángeles y que como la mayoría de los homínidos en pareja justan de estar juntos, pasear, ir a conciertos y entregarse en cada pieza y circuito.
Es sólo media hora, pero el desborde de amor y creatividad hacen de este trabajo –como la mayoría de los de Jonze- una joyita única que no se pueden perder. Eso sí, preparen los pañuelos para el llanto magdaleno.
Les dejo el link para que disfruten la experiencia:
Agradecimientos a Sus(ana) por esta bella recomendación.
Carmen es una chica española que vive en Londres con su novio Barnaby, un junior hijo único completamente enamorado de su novia, tanto que le pide matrimonio. La noche de despedida de soltera Carmen hace algo que no estaba escrito en el guión: besa a un chico de la manera en la que no se debe besar a un extraño. A partir de este incidente las vidas de Carmen, Barnaby y Kit (el desconocido besado) se cruzan y se separan en una espiral de situaciones a veces vistas y vividas en primera persona, otras vistas y vividas en tercera; haciendo una especie de documental de la obsesión de uno(s) de ellos por la(s) vida(s) del (los) otro(s).Crónica de una (des)organización irresponsable.
Como la mayoría, la primera vez que escuché a los Arctic Monkeys fue a través de su My Space. A partir de ahí no paré de seguirles el rastro.
El pasado miércoles 21 se llevó a cabo su presentación en el D.F. y como se ha leído, escuchado y visto en muchos otros medios, la organización fue terrible, desembocando en un evento que no sólo se vivió mal, sino que puso en peligro tanto a la audiencia como al artista.
El concierto estaba planeado para ejecutarse en la explanada del Estadio Azteca, y comenzar a las 10 pm con la primera aparición de los teloneros Sleepy Sun, yo llegué con mis acompañantes relativamente temprano, sólo para sorprendernos con la enorme cantidad de gente, el caos vial y una interminable fila india que subía y subía rodeando al Coloso de Santa Úrsula para llegar a la entrada.
Una vez dentro, nos encontramos de nuevo con otra fila (aún más larga), la cual a falta de señalamientos o instrucciones ignoramos para continuar con nuestro camino y encontrar un buen lugar para disfrutar del evento. Desde el momento que nos instalamos hasta que empezó a tocar el grupo se fueron presentando incómodas situaciones que premeditaban una de dos opciones: o se cancelaba el concierto, o la presentación sería un desastre.
Lo ocurrido giró en torno a la segunda opción: tres largas y desesperantes horas de espera, sobrecupo de asistentes en la zona preferencial, terribles instalaciones, problemas con los granaderos, un sonido espantoso y un set-list de sólo 50 minutos.
La banda al igual que el público se notaba cansada y molesta, por lo que se ampararon en el dicho de que a mal paso darle prisa, y se limitaron a una presentación de menos de una hora que contuvo en su mayoría canciones del último disco, unos cuantos hits (ja!) y un cover de una gran canción de Nick Cave (Red Right Hand).
Después de esta experiencia me quedo con enojo, un resfriado -que actualmente me està matando- y una gran decepción por el irresponsable manejo de los medios en la (des)organización de este concierto llevada a cabo por Ache Producciones, quienes hasta parece que quieren darle más elementos a la otra gran empresa para que siga monopolizando la gestión de eventos musicales.
Mientras, rescatando lo bueno de todo esto sigo saboreando las canciones respiradas ese día, y recordando a esa banda cuyos integrantes son grandes músicos, y cuya música ha sido una parte muy significativa del soundtrack de mi vida.
¡ESTÁN TODOS!
En 2001 el director Ridley Scott reanimó un cine bélico que ya se había estancado en la mera propaganda y el derroche de presupuesto en exagerados efectos especiales, y lo hizo a partir de un muy buen guión y el seguimiento de las enseñanzas aprendidas a partir de una Full Metal Jacket (Stanley Kubrick, 1987).
La primera cosa que encanta de esta película es su fotografía, creada por el experimentado Slawomir Idziak. Luego viene el guión que basado en hechos reales rescata lo ocurrido en Mogadiscio, cuando las unidades Deltas y de infantería de Estados Unidos fueron enviadas a Somalia con el propósito de atrapar a dos tenientes del líder Mohamed Farrah Aidid, misión que terminó en la caída de dos helicópteros UH-60 Black Kawk, provocando secuelas que empeoraron la situación para civiles, soldados y guerrilleros.
Después tenemos el crudo e inconfundible sonido que rescata lo propuesto hace 14 años* por Stanley Kubrick, recreando un sonido simple pero impactante, de balas y explosiones –no por nada le dieron el Oscar a mejor sonido a esta película-.
Por último se agradece la inclusión de tanto buen actor, lo que provoca que conforme pasen los minutos uno termine gritando con emoción ¡ESTÁN TODOS! refiriéndose con “TODOS” a Eric Bana, Ewan McGregor, Ewen Bremner, Gabriel Casseus, Ioan Gruffudd, Jason Isaacs, Josh Hartnett, Orlando Bloom, Tom Sizemore (que para variar la hace de soldado con actitud gangster) y William Fichtner entre otros.
Black Hawk Down, un gran trabajo cinematográfico que lo pone a uno en una encrucijada en la que de un lado se tiene la etiqueta de Bella Película (por los elementos explicados anteriormente), pero por el otro Película de Guerra, que como todas, refleja la crueldad, injusticia y triste continuidad de este tipo de conflictos que afectan a más de dos partes.
*14 años del estreno de Full Metal Jacket el estreno de Black Hawk Down.
Además de nuevos elementos, ésta versión desembolsa una buena dosis de efectos especiales y de maquillaje que junto con algunos homenajes a la primera Clash of the Titans -como el cameo del inolvidable e inoxidable Bubo- hacen de esta película un verdadero disfrute.
Walt Kowalski (Mr. Eastwood), patriota, veterano de guerra y viudo, vive en un barrio que poco a poco ha ido cediendo a la populación migrante, así como a la descomposición social “americana” y a la delincuencia. Walt trata de soportar (de una manera bastante hostil) este cambiante entorno, pero un incidente relacionado con su Gran Torino 1972, lo conecta con sus vecinos Hmong y hace que poco a poco asimile su ambiente, llegando a compartir sus “americanos” valores con aquellos a quienes veía tan distantes y diferentes.
Lo que parece ser el eje central: Lucía (Ana de la Reguera) es una chica que se encuentra en una relación sumamente destructiva que la hace caer en otro tipo de adicciones, como el sexo y la cocaína, haciendo que su vida se acerque más y más al fin del precipicio.
Filmada en 2008 por la directora Kathryn Bigelow, esta película aborda un tema cliché de una manera nada común. La historia es sobre el sargento William James (Jeremy Renner), experto en desarmar artefactos explosivos, quien se integra a una de las misiones en Iraq de 2004. Hasta aquí, este film es uno más sobre guerra, pero sorprendentemente a lo largo de los 131minutos que dura el film, la directora y su equipo de trabajo nos enseñan la importancia y utilidad de la técnica.
Filmada por Scott Stewart y hace poco estrenada en nuestro país, este trabajo nos presenta por un lado, un inminente Apocalipsis causado por el hartazgo de Dios ante los hombres y “sus tonterías”, y por el otro un arcángel Miguel (Paul Bettany) que aún conserva la fe en los hombres y que en completo desacuerdo con las órdenes de Dios, baja a la tierra a comprobar que aún hay esperanza.
Creada por Alan Ball y basada en la serie de de libros de Charlaine Harris The Southern Vampire Mysteries también conocida como The Sookie Stackhouse Novels / Chronicles , esta serie narra los sucesos ocurridos en una ficticia sociedad actual en la que los vampiros “han salido del ataúd” gracias a la invención de sangre sintética, y se centra en la historia de amor de la humana y telepate Sookie (Anna Paquin) y el vampiro Bill (Stephen Moyer), eje de la trama en el que convergen múltiples historias y acontecimientos que retratan de una manera sumamente creativa y bien lograda los problemas más profundos y obscuros del humano en sí, y en su forma social.
Así, en esta ocasión LA SALA les propone no cambiarle cuando encuentren este film que narra la historia de Georgia (Nia Vardalos), una guía turística que organiza viajes en Grecia con la intención de tener un trabajo en lo que es aceptada en alguna universidad para dar clases de Historia (su verdadera vocación). “Georgie” está harta de la típica visión comercial e irresponsable que los turistas y la misma compañía para la que trabaja tienen acerca de esta actividad recreativa, por lo que trata de imponer una forma más comprometida y académica a su forma de hacer excursiones… con un nulo éxito.
En una expedición arqueológica comandada por la bella Lilia del Valle (Jade/Yolanda) el equipo de investigación encuentra lo que parece ser un hombre de las cavernas en perfecto estado. A partir de esta introducción el director de este film (Gilberto Martínez Solares) nos transporta al “pasado-pasado” donde los (jeje) dinosaurios habitaban el planeta y convivían con los humanos, los cuales a ritmo de mambo y de la mano del GRAN Germán Valdés "Tin Tan", debían cazar, jugar boliche…y encontrar pareja.
Este documental cumple una doble función: nos pasea a través de campos franceses de trigo, uvas, manzanas y un variado número de hortalizas, así como por calles y mareas igualmente francesas para descubrir un cúmulo de vidas y experiencias elaboradas por fragmentos de todo, que expresando inconformidad social, responsabilidad ética, cuidado ambiental o pobreza, nos expone una situación pre-Unión Europea de regulaciones de mercado y excedentes (muchos excedentes) de mercancía. 
Now I have the opportunity, I want to thank you guys for exist, for composing the incredible music that’s been for years part of the soundtrack of my life, and for what’s more valuable: for sharing the music with all of us.
Contextualizada en la Gran Bretaña del siglo XIX, esta película cuenta su versión de werewolf a través de la figura del hijo que siempre distante de la familia, regresa a casa para resolver el asesinato de su hermano. Una vez en casa, Lawrence Talbot (Benicio del Toro) es atacado por una bestia, contagiándolo de una enfermedad que provoca que cada luna llena se convierta en hombre lobo. Así, nuestro pobre protagonista debe lidiar con el recién descubrimiento de: la muerte de su hermano, su nuevo estado animal, el inesperado amor por la prometida del difunto, y un secreto familiar que lo confunde en su búsqueda de justicia.
El pasado domingo 7 de marzo se celebró la 82º entrega de los Academy Awards, efectuada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, en Los Ángeles, California. Esta entrega premia lo mejor de la industria cinematográfica en las áreas de Dirección, Actuación, Guión, Fotografía, Dirección de Arte, Sonido, Banda Sonora, Canción Original, Montaje, Efectos Visuales, Diseño de Vestuario, Edición de Sonido, Maquillaje; así como las categorías de Mejor Película, Cortometraje de Ficción, Cortometraje Documental, Documental, Película Extranjera y Película de Animación.
La primer parte de la película se encarga de mostrarnos el preámbulo de sucesos desaventurados ya descritos, mientras que para el segundo acto, se exponen las consecuencias sociales de la vida de esta pandilla, quienes ahora, después de varios años y en estado de “libertad” deben hacer frente y reconstruir aquellos sucesos de su pasado que tanto les atormentaron para lograr un poco de justicia. 
la tragedia del accidente de la madre (activista social pro-soviética) que la pone en un estado de coma durante ocho meses; ocho meses de transición económica que desembocan en la transformación total del sistema político-social de la RDA. A lo largo del film estos grandes cambios son manejados de la forma más cómica y creativa por los hijos de Christiane, los cuales deben ideárselas para lidiar con una realidad completamente distinta, y con su ahora ya despierta madre.
Luego: un intenso recuadro rojo en el escenario, junto con una batería acondicionada con curiosos utensilios de percusión además de un teclado y varios pedales.
